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23 novembre 2019 6 23 /11 /novembre /2019 20:20

GHOST RHYTHMS : «  Live at Yoshiwara »
Cuneiform 2019
Guillaume Aventurin (g), Alexis Collin (acc, laptop), Xavier Gelard (dms, lptp), Gregory Kosovski (b), Morgan Lowenstein (perc), Nadia Mejri-Chapelle (cello), Tom Namias (g), Camille Petit (p), David Rousselet (ts), Maxime Thiebaut (as, bs)
Compos : un peu tout le monde.
Titres enregistrés dans des endroits imaginés mais notamment aux Frigos à Paris 14/12/2018.

Cuneiform 2019


Comment dit-on «  trublions » dans la langue du jazz ? Peut être bien que cela doit se dire « Ghost Rhythms » ? Vas savoir …
En tout cas vous ne les connaissez certainement pas et, pour tout vous avez dire, vous avez bigrement tort. Car ces filles et garçons qui signent aujourd’hui un album décapant chez Cuneiform vont faire parler d’eux, c’est sûr !
Mettons les choses à leur place : il s’agit ni plus ni moins que du label qui a accueilli en son sein des John Hollenbeck ( Claudia Quintet), Soft Machine, Wadada Leo Smith, Lol Coxhill, Fred Frith, Bill Laswell, Steve Lacy, Mike Osborne etc, etc….. Excusez du peu. C’est dire qu’ils y côtoient un peu les anges.
Mais si ces noms sont autant de références pour ce jeune groupe ce n’est pas pour autant avec des pincettes qu’ils entendent entrer dans ce gotha mais au contraire avec une énorme dose d’énergie, d’humour et d’irrévérence.  Et avec un sacré talent. Un talent d’ailleurs récompensé par pas mal de jury ( 2ème prix de composition et 3eme prix de groupe au Tremplin de la Défense en 2012 et 1er prix de composition au Tremplin du Sunside en 2012)

Et le moins que l’on puisse dire, c’est que ces musiciens-là non content de jouer terrible, composent et arrangent avec un talent de dingue !
A la base ne vous attendez surtout pas à entendre un truc linéaire, genre musique dans laquelle vous pourriez vous installer, tout le confort à portée de mains. Car c’est tout le contraire avec ce big band qui entend bien vous bousculer et surtout vous surprendre. Chaque thème révèle en lui-même une richesse musicale qui ouvre des portes et des tiroirs derrière lesquels une surprise semble vous attendre. Des tiroirs harmoniques, rythmiques faits de tempi qui basculent et de douceurs qui ne sont jamais vraiment douces. Il y a du jazz ( on pense parfois à Steve Coleman) mais aussi du rock bien crade comme on aime et même du tango. mélangez le tout et servez !
Ca peut commencer sur un ostinato mais ça poursuit genre orientalisant et ça fini ailleurs dans une sorte de tango rock (Nattes) avec toutes sortes d’influences mêlées, tressées entre elles ( d’où… Nattes).
Ca envoie aussi du petit bois genre mingus afro-beat (La chose) avec des solistes survoltés. Rythmique d'enfer et hard tempo. La « chose » sort de son antre alors, planquez vous !
Une course poursuite façon James Bond in jazz & rock se déroule sur Mahoee. Ca cogne là où ça fait du bien avant de passer le tout à l'adoucisseur de l'accordéon intelligemment inséré. On vous l’a dit : ne jamais s’installer. Il y a des choses derrières les choses.
Tout y est question de tramages et de superpositions musicales.

Après un album superbe ( Madeleine) consacré au célèbre film d’Hitchcock ( Vertigo), Ghost Rhythms refuse la facilité et se joue des textures et des masses orchestrales grâce à un géniale orchestration associant accordéon et violoncelle à ce big band décidément protéiforme.
Comme une juxtaposition de scenarii, comme une déambulation dans une sorte d’escape game dans lesquels se cachent d'autres scénarios tout est affaire de fausses pistes comme sur cette Chambre Claire qui vous emmène très vite là où on ne l'attendais pas.
Sorte de cadavre exquis en quelque sorte.

Vous ne connaissiez pas Ghost Rythms. Cet album va vous prendre d’un bout à l’auytre. Un big band ? Non un big bang qui bande !
Jean-Marc Gelin

 

En concert le 10 décembre aux Disquaires à Paris

 

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22 novembre 2019 5 22 /11 /novembre /2019 12:46

MUNICH 2016 / ECM - Nov 2019

et

« KEITH JARRETT » par Jean-Pierre Jackson
Actes Sud
oct. 2019
211p, 18euros

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En plein coeur de l’hiver, Keith Jarrett fait l’actualité en France avec la publication d’un concert donné à Munich en 2016 et avec celle d’un livre de Jean-Pierre Jackson consacré au pianiste et sobrement intitulé   "Keith Jarrett ".

Ce livre, publié aux Editions Actes Sud fait partie d’une longue série que Jackson a consacré à plusieurs légendes du jazz ( Charlie Parker, Bennie Goodman, Miles Davis, Oscar Peterson).

Jarrett en est une.  Il était donc bien normal qu’un livre lui soit consacré.

Partant de l’enfance prodige de ce musicien hors normes ( pianiste, batteur, saxpohoniste, claveciniste et même chanteur - ce qui au passage n’est pas ce qu’il a fait de mieux), le livre de Jackson est une recension, un parcours au sein de l’abondante, très abondante production discographique de Jarrett. Et ce parcours est impressionnant ! Et ce parcours donne le tournis tant il est incessant et prolixe. L’impression que son parcours musical qui a embrassé un très grand nombre de musiques est l’essence même de l’artiste tourmenté qu’il est. Bien au delà des clichés qui lui collent à la peau ( ceux d’un artiste-diva et caractériel qui soumettrait son entourage à la dictature de ses caprices).

Jackson en fait une lecture littérale et nous permet ainsi d'approcher à la complexité d'un artiste à la fois complexe et prodigue. Créateur de l'instant.

Keith Jarrett respire la musique et le piano est chez lui comme la continuation de son souffle, de ses bras , de ses mains, de son cerveau qui l’emmène et nous emmène très loin.
Passé notamment par le label Atlantic, le pianiste poursuit depuis de très longues années son parcours chez ECM et au delà des enregistrements en studio, chacun de ses nombrables concerts fait l’objet d’une captation destinée à être un jour ou l’autre publiée.
Il en est ainsi de ce concert donné à Munich en 2016 et qui paraît aujourd’hui.
Ce concert venait clôturer la tournée européenne du pianiste. Et, peut être parce qu’il s’agissait de cette dernière date, rarement Keith Jarrett n’a semblé autant survoler son art.
L’improvisation est chez le pianiste, comme le rappelle Jean-Pierre Jackson dans son ouvrage, comme le prolongement ontologique de ce qu’il est, de ce qu’il pense et qui surgit dans l’instant. Cet instant où une fois la note jouée, elle n’existe déjà plus.
Dans ce art complexe de l’improvisation, il y a toute la vie musicienne de Jarrett qui apparaît. Parfois jouant des fugues, parfois jouant sur des harmonies Raveliennes, jouant du blues à coup d’ostinatos ou des standards hors sol à l’émotion poignante, ce concert est une brillante démonstration de l’art du piano. Nous le savions, Jarrett est un immense concertiste. Dans l’exercice en solo, il devient hors norme, hors de toute considération de temps et d’espace. Génial.

Paru trop tard par rapport  à la publication du livre de Jean-Pierre Jackson. Dommage car il est certain que l’écrivain aurait pu lui faire une place particulière.

Jean-Marc Gelin

 

 

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19 novembre 2019 2 19 /11 /novembre /2019 09:32

Yakir Arbib (piano solo)

Meudon, 21juin, 5 & 17 juillet 2019

JMS 114-2 / Pias

 

Un nouveau venu trentenaire, israélo-italien, qui surgit dans le paysage jazzo-pianistique avec éclat. Le disque commence par I Got Rythm et I'm confessin (à la Fats Waller plus qu'à la Art Tatum). Suit Caravan avec une intro à l'orientale, un exposé énergique, et une main gauche qui trace une pulsation forte. Il y a aussi des compositions personnelles sur le mode 'ballade mélancolique'. L'indispensable détour par des thèmes Charlie Parker, avec fragmentation virtuose et improvisation étincelante. Et également un Cherokee qui me rappelle qu'en 1956, les version de solo de Martial Solal et Phineas Newborn méritaient, pour l'époque, leur pesant de transgression. Du très beau piano, assurément, de bout en bout. Manque à mon goût (pervers j'en conviens....) des incartades esthétiques, ce petit supplément d'audace, de fantaisie et de folles surprises que j'entends chez Jean-Michel Pilc (notamment quand il est en duo de pianos avec Martial Solal), chez Stefano Bollani, ou même chez Marc Benham (qui partage avec Yakir Arbib de surgir tardivement, et avec éclat, dans la jazzosphère, en mêlant attachement à la tradition et goût du risque). Sur Giant Steps Dan Tepfer, voici plus de 15 ans (il avait tout juste vingt ans) m'avait davantage étonné. Bref le disque de Yakir Arbib est un très très bon disque de piano-jazz, ça c'est sûr. J'ai lu ou entendu, ici ou là, que c'était le disque de l'année : c'est un peu excessif. Selon une formule vieille comme le moyen-âge, et qui plaît tant aux politiciens et commentateurs «il faut savoir raison garder».

Xavier Prévost

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15 novembre 2019 5 15 /11 /novembre /2019 08:03
REMI CHARMASSON/ALAIN SOLER “Mr. A.J.”

REMI CHARMASSON/ALAIN SOLER

Mr. A.J.”

LABEL DURANCE-ABSILONE

www.label-durance.com

SORTIE CD 15 NOVEMBRE 2019

 

Voilà un album hommage particulièrement émouvant, de deux musiciens sudistes, ancrés dans leur département et région), Rémi Charmasson ( Gard) et Alain Soler ( Alpes de Haute Provence)  qui ont profité des enseignements d’un grand saxophoniste voyageur, plus toujours reconnu à sa juste valeur aujourdhui, André JAUME ( marseillais d'origine). Il fut l’une des figures emblématiques du jazz d’avant-garde des années soixante dix, original dans le meilleur sens du terme. Discret mais tenace, avançant selon son esthétique,“jouant sa musique et celle des autres à sa sauce”, comme le remarque avec pertinence Alain Soler, le saxophoniste a ouvert la voie aux plus jeunes, en faisant des pas de côté décisifs”. D’ailleurs, les deux musiciens de l’album, excellents guitaristes, ont aussi beaucoup voyagé, l’ont accompagné dans de nombreuses tournées et enregistrements dans le monde entier. (Chine, Vietnam, Afrique, Amérique…) et ont retenu ses leçons.

Le répertoire reprend des thèmes de Jaume comme “Beguin”, “Heavy’s”, “Marratxi”, souvent sortis sur le label CELP, quatre thèmes du dieu Django ( guitare oblige et on ne s’en plaindra pas), une composition du musicien préféré d’André Jaume, Jimmy Giuffre “River Chant” qu’il a accompagné et suivi de près, dans ses années free...et dont il sait évoquer la mémoire avec passion ; une reprise du “Girl” des Beatles. On le voit, un répertoire fait de choix décidés selon des convictions, des goûts réels, un éclectisme de bon aloi. Car ces compositions ont un potentiel immense, plein de nuances, se révélant un excellent terrain de jeu pour ces orfèvres de la six cordes, pincées, frottées, brosséesqui ont aussi proposé des compositions de leur cru. La première et forte sensation à l’écoute de cette musique qui s’écoute d’un trait, déroulant un groove envoûtant, persistant, est l’absolue cohérence du chant intérieur, épuré, essentiel qui anime le duo. En fait, si André Jaume est un soufflant polyinstrumentiste doué, il n’était pas question de transposer pour guitaristes même si les amoureux de l’instrument seront comblés. C’est un disque complet, pour musiciens selon l’expression consacrée mais aussi, plus simplement pour ceux qui aiment la musique, toutes les “bonnes” musiques du jazz à la pop et au rock. 

Cet hommage démontre avec brio que la passion du jazz se prête à toutes les fantaisies, se moque des frontières de styles, d’instruments, car on apprend et partage tant d’aventures sonores avec des “frères de son”. Et assurément, Rémi Charmasson et Alain Soler le sont. Ce portrait recomposé n’est ni complaisant ni nostalgique. André Jaume qui s’est retiré en Corse et va fêter en 2020, ses quatre vingt ans, sera fier de l’élégance, l’énergie, la joie profonde et l’intelligence de ce duo parfaitement accordé, libre et audacieux.

Pas besoin de plus grands discours : "let’s play the music"….ou encore mieux "let’s face the music and danse".

 

Sophie Chambon

 

 

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4 novembre 2019 1 04 /11 /novembre /2019 23:06

LONGBOARD : «  Being wild »
Yolk Music 2019
Alban Darche ( sax, cl, clv, compos), Matthieu Donarier (sax, cl, compos), Meivelyan Jacquot (dms)


C’est un album très bel album protéiforme que signe le trio. Foisonnant d’idées, ce Longboard, jamais linéraire il dessine des contours et des sons pour former un imaginaire en mouvement.
Des flottements et des tensions lunaires côtoient des lignes mélodiques et des enchevêtrements. Des moments de rare poésie (Beauty and sadness ou Embrace the grace) emportent dans un imaginaire éthéré.
Alban Darche et Matthieu Donarier sont des souffleurs de rêves qui jouent avec les silences et les courbes de la musique. Elle caresse mais elle cogne aussi parfois ( The thin ice). Mais surtout dans cet album il y a aussi un sens du spectacle et de la mise en scène presque baroque (Elevation) dans une sorte de souffle continu.
Ces acteurs sont des acteurs. Et des acteurs danseurs qui jouent des pantomimes sonores.
Alban Darche et Matthieu Donarier se connaissent bien. Ils sont des piliers du label nantais Yolk qu’ils ont contribué à porter haut depuis près de 20 ans déjà avec Sebastien Boisseau ( récent recipiendaire mérité - mais honteusement en catimini - d’une récente Victoire du jazz). Les deux saxophonistes ( dont la proximité géographique n’a d’égale que celle esthétique) partagent le même goût de la complexité. Celle de géniaux compositeurs comme John Hollenbeck ou Steve Coleman (Cairo hipster). Mais à laquelle ils apportent un soin de calligraphe, comme des dessinateurs au ciel. Et c’est avec cette art de la composition protéiforme ( on l’a dit) qu’ils créent des moments de douceurs où au delà de la mélodie il y a la façon dont les saxophonistes  dessinent le son comme s'ils maniaient l'art du pinceau. Comme par exemple sur cette émouvante Boite à musique qui égrène le temps dans une infinie douceur nostalgique.
Et Meivelyan Jacquot, l’autre nantais de la bande y apporte le liant, le relief et parfois la rugosité avec un talent fou.
Captivant de bout en bout, Longboard refuse de se laisse enfermer dans un schéma musical pour nous captiver du début à la fin. C’est certainement ce que cela veut dire pour eux : being wild.
Jean-Marc Gelin

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2 novembre 2019 6 02 /11 /novembre /2019 18:47

(à l’occasion de la sortie du coffret ‘Nat King Cole « Incomparable »’ réalisé par Claude Carrière pour Cristal Records*)

 

Star éternelle du Louvre, Mona Lisa, œuvre de Léonard de Vinci (1452-1519), n’a pas seulement inspiré Marcel Duchamp qui l’affubla, en 1919, d’une moustache pour une toile baptisée L.H.O.O.Q. –titre dérisoire bien dans l’esprit du dadaïsme - longtemps propriété du Parti Communiste Français. La florentine au sourire étrange donna naissance, trente ans plus tard, à une chanson qui contribua largement au succès populaire de Nat « King » Cole, né cette même année 1919 (le 17 mars).  


La genèse de ce titre Mona Lisa mérite d’être contée. Un metteur en scène d’Hollywood, Mitchell Leisen, avait passé commande en 1949 à un tandem déjà bien connu, Jay Livingstone (compositeur) et Ray Evans (auteur) d’un air devant illustrer une séquence d’un film d’espionnage située en Italie. Admiratrice du tableau de Léonard de Vinci, l’épouse de Ray Evans aurait, dit-on, soufflé l’idée d’évoquer cette jeune femme au sourire mystérieux («est-ce une manière de tenter un amoureux ou une façon de cacher un cœur brisé» dit notamment le texte**).  
Dans le film de la Paramount, sorti en 1950 sous le titre ‘Captain Carey, USA’, avec Alan Ladd dans le rôle principal, la composition est jouée par le grand orchestre du trompettiste Charlie Spivak, la partie chantée étant assurée par Tommy Lynn. Le tandem Livingstone-Evans devait être fier de leur œuvre commune puisqu’ils la confièrent à Nat « King » Cole, pianiste et chanteur de haut vol adulé dans le milieu musical, et pas seulement du jazz, avec un trio au format inhabituel (guitare et basse). Une confiance guère partagée -au début- par le chanteur : le titre ne figure que sur la face B -la moins noble- du 78 tours enregistré le 11 mars 1950 à Los Angeles, qui propose en face A The Greatest Inventor. La maison de disques, Capitol, n’a pas perdu son temps : le film est sorti sur les écrans à peine trois semaines auparavant.

 

Réticent puis charmé


Le charme de Mona Lisa va une nouvelle fois opérer. Une fois le disque pressé, les deux compères font le tour des stations de radio -une vingtaine- pour en assurer la promotion. Le succès ne tarda pas saluant ce mariage entre la voix de velours de Nathaniel Cole et l’arrangement d’un jeune prometteur, Nelson Riddle, pour le grand orchestre de Les Baxter. Dans les bacs dès le mois de mai, Mona Lisa demeurera en tête des ventes pendant huit semaines, selon le classement du magazine Billboard.


La vogue ne se démentira pas, ‘Mona Lisa’ décrochant l’Oscar 1950 de la meilleure chanson pour un film, le deuxième, pour le duo Livingstone-Evans (après ‘Buttons and Bows’ en 1948), qui en décrochera un troisième en 1955 avec ‘Que Sera, Sera’, chantée par Doris Day dans 'L’homme qui en savait trop' d’Alfred Hitchcock.

Dès lors, Mona Lisa gagne une place de choix dans le répertoire vocal de Nat King Cole, géant à double titre (185 cm sous la toise) aux côtés de Nature Boy, enregistré en 1947, Unforgettable (1951), Blue Gardenia (1953) ou encore Quizas, Quizas, Quizas (1958).


En 1992, Mona Lisa entrera au Grammy Hall of Fame, récompense suprême et posthume pour Nat King Cole, disparu le 15 février 1965 à 45 ans. Le titre reste également comme l’une des réussites les plus populaires du tandem Livingstone-Evans dont 26 chansons dépassèrent le cap du million de ventes au cours d’une carrière de plus de soixante ans (Livingstone décéda en 2001 et Evans en 2007). Quant à la famille Cole, elle restera fidèle à Mona Lisa, son frère Freddy et sa fille Natalie ne manquant jamais de chanter « cet énigmatique sourire ».

Mona Lisa et les autres chansons citées sont proposées dans leur première version en studio dans un coffret de trois cd ‘Nat King Cole « Incomparable »’ réalisé par Claude Carrière* ... Une sélection de 60 titres donnant à entendre Nat King Cole comme chanteur accompagné d’orchestres divers, à la tête de son trio et enfin uniquement comme instrumentiste.

 

Jean-Louis Lemarchand.

 

* ‘Nat King Cole « Incomparable »’, coffret composé par Claude Carrière. Sortie le 15 novembre 2019. Cristal Records - CR 301-02-03.

 

**Do you smile to tempt a lover, mona lisa? or is this your way to hide a broken heart?

 

©photo William P. Gottlieb

 

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2 novembre 2019 6 02 /11 /novembre /2019 09:14

FRANCK WOESTE : « Libretto dialogues vol.2 »
Phonoart 2019

Franck Woeste (p, fder) feat Rick Marguitza (ts), Bohan Z (p), Gilad Hekselman (g) Franck Agulhon

(dms), Walter Smith III (ts), Nelson Veras (g), Ryan Keberle (tb), Lage Lund (g), Eric Legnini (fder), Stephane Galland (dms)

 


Et voilà, pour le volume 2 de ces dialogues organisés par le pianiste allemand Franck Woeste, un petit bijou que vous aller placer bien haut dans la liste de vos favoris ! dans le genre d’expérience qui va vous fasciner d’un bout à l’autre de son écoute.

Il est en effet des pianistes qui sortent des albums de duos sans grande inspiration avec en tête l’idée de faire du name dropping avec des artistes tendance. Mais il en est d’autres, comme Franck Woeste qui sont animés d’un vrai projet. Pour qui dialoguer représente un vrai travail musical à la fois d’écriture mais aussi d’échange plus ou moins improvisés.
Les duos que propose ici le pianiste s’inscrivent tous au rang de master piece. Chaque morceau est un vrai moment de fusion entre deux musiciens de très haute volée, entre lesquels la règle du jeu est de limiter au maximum les arrangements.
Assurément protéiforme, l’album rassemble des moments de pur jazz acoustique à côté d’échappées électriques, des moments plus pops et de sublimes évanescences comme ce duo lunaire avec le guitariste Gilad Hekselman où tout est dans le flottement des harmonies. Dans cet album les invités, tous exceptionnels façonnent les sons à 4 mains. Ainsi de ce tissage fender/piano entre Woeste et Bojan Z dans une sorte de chassé-croisé aérien. Ou alors avec Legnini où le son vous enveloppe dans une sorte de brume electrique electro-jazz.
Avec les batteurs aussi Franck Woeste dialogue aussi et chaque fois dans un esprit totalement différent que ce soit avec une profondeur poétique comme avec Fanck Agulhon ou avec l’explosif Stephane Galland qui met le feu sur Mars.
On pourrait bien sûr s’arrêter sur tous les duos mais sachez que chacun porte une forme d’incandescence, d’urgence.
On le répète il y a de la pop dans cet album ( Radiohead pas loin) et des brumes électro-jazz qui montrent des chemins e ouvrent les portes d’un jazz d’aujourd’hui dont les influences sont si diverses et multiples qu’elles excitent toutes les curiosités. Mais il y a aussi une forme de retour aux sources avec ces duos de saxophonistes, tant avec le superlatif Walter Smith III qu’avec un Rick Marguitza au sommet. Quand à la rencontre entre le pianiste et le tromboniste Ryan Keberle ( écouter son dernier album avec le groupe Catharsis).
Et dans tout ça, Franck Woeste. Et bien le pianiste multi instrumentiste se transforme en grand ordonnateur du Son. en grand manitou avec des airs de Shiva aux bras multiples qui fait jaillir de l’or dans chacune de ses interventions. Franck Woeste est un magicien qui porte chacune de ces rencontre à un sommet rarement égalé.
Et puis non, Franck Woeste n’est pas un magicien. C’est un sorcier qui avec sa cape de musique, va vous envoûter.
jean-Marc Gelin
 

 

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30 octobre 2019 3 30 /10 /octobre /2019 17:14

Leïla Olivesi (piano, composition), Chloé Cailleton (voix), Quentin Ghomari (trompette, bugle), Baptiste Herbin (saxophone alto, flûte), Adrien Sanchez (saxophone ténor), Jean-Charles Richard (saxophone baryton), Glenn Ferris (trombone), Manu Codjia (guitare), Yoni Zelnik (contrebasse), Donald Kontomanou (batterie)

Meudon, 2-4 janvier 2019

ACEL & Attention Fragile AC5LSA387 / l'autre distribution

 

Le disque commence avec Satin Doll, dans un arrangement très renouvelé, et par la voix de Chloé Cailleton, qui dose avec une grande pertinence la fragilité et l'assurance. Ce début n'est évidemment pas un hasard. Leïla Olivesi adore la musique d'Ellington et Strayhorn, à laquelle d'ailleurs elle a consacré quelques belles conférences, en compagnie de Claude Carrière, dans le cadre de la Maison du Duke. Et c'est plus qu'un hasard sans doute si Carrière signe le texte du livret, qui éclaire très bien la singularité de cette musique. Le reste du disque est composé par la pianiste, et l'on n'est pas surpris de constater que cet univers est habitée de sinuosités mélodico-harmoniques qui évoquent un peu la musique de Strayhorn, tout en œuvrant pleinement dans le langage d'aujourd'hui. D'ailleurs je soupçonne Leïla Olivesi d'avoir, plus encore que pour le Duke, une passion secrète pour Sweet Pea, comme l'appelaient ses amis musiciens. C'est brillamment composé, avec un indéniable sens de la forme, et pensé en relation exacte avec les personnalités des musiciens sollicités : belle brochette de grands solistes, que l'on sent motivés par la qualité de l'écriture, et qui s'ébattent aussi avec une grande liberté dans les improvisations. Au centre du répertoire une suite qui fait écho aux eaux turquoises de la Mer d'Andaman, au large de la Thaïlande de la Malaisie. Une partition que l'on avait découverte voici plus d'un an en club, et en quintette, et qui dans l'orchestration étendue tient ses promesses. Dans une courte plage en solo, la pianiste fait revivre l'esprit des méditations ellingtoniennes, avant que le disque ne bifurque vers l'Afrique et ses déserts. En cours de route on avait croisé un bel hommage à la grande musicienne qu'était Geri Allen, et en coda du CD une mélancolie qui remue en moi le souvenir de Goodbye Pork Pie Hat. Bref c'est une vraie belle œuvre d'artiste, que l'on sent méditée de longtemps, et qui s'épanouit dans l'effervescence du partage musical et de l'improvisation. Grande réussite, dont on espère qu'elle viendra jusqu'aux oreilles, parfois un peu distraites, ou paresseuses, des notabilités festivalières....

Xavier Prévost

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Le groupe au grand complet jouera le 6 novembre 2019 à Paris, au Studio de l'Ermitage

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30 octobre 2019 3 30 /10 /octobre /2019 14:34
DANIEL SCHLAEPPI / MARC COPLAND  ALICE' S WONDERLAND

Daniel SCHLAPPI & Marc COPLAND

Alice’s Wonderland

Label CATWALK www.catwalkjazz.com

www.danielschlaeppi.ch

Profitant de l’envoi concomittant de deux albums de Marc Copland, j’ai écouté à la suite And I love her en trio avec Drew Gress et Joey Baron et ce duo Alice’s Wonderland avec le contrebassiste suisse Daniel Schlaeppi, après leurs deux premiers albums Essentials en 2012 et More Essentials en 2016.

Contre toute attente, aucune impression de “déjà vu”, même si on est immédiatement dans un arrière -pays connu… On est tout à fait prêts à se lancer et à traverser le miroir avec eux.

Une grande vivacité anime tout le disque qui reprend des standards en intercalant trois compositions du Suisse et une de Copland “Day and Night” que l’on trouvait également sur And I love her et aussi sur le CD Better by far en quartet avec le trompettiste Ralph Alessi.

Copland et Schlaeppi en reviennent encore et toujours au coeur de cette musique de jazz, portés tous deux par ce chant intérieur qui jamais ne s’éteint, dans de lumineuses relectures de formes qu’ils n’ont pas inventées, mais qu’ils ont tellement pratiquées qu’ils peuvent les aborder à chaque fois, avec une fraîcheur, une spontanéité de jeu qui touchent. Preuve de l’intelligence de musiciens qui explorent les possibles avec un esprit ouvert.

Daniel Schlaeppi montre une juste rigueur totalement dénuée de froideur, un sens aigu de la pulsation et de la construction, une expressivité toujours juste. Avec un tel compagnon, Marc Copland semble plus enjoué, avec un lyrisme moins fragile qu' à l'ordinaire : son aisance rythmique est manifeste, si l’amour de la mélodie est toujours là, au plus près.

En entendant rejouer des standards aimés, le véritable amoureux du jazz retrouve un sens à cette musique, dans le retour de la mélodie, parfois devenue un simple fredon, parfois identique dans son exposé du moins, à la version “princeps” mais libérée, ajourée, revue et comme “corrigée” avec amour; car les thèmes et variations sont au coeur du jazz. Rien à faire, il faut en passer par là.

On retrouve donc avec bonheur Bill Evans dans “Some Day My Prince Will Come” de même que le final “Blue in Green”, toujours attribué à Miles. Comment ne pourrait il pas être présent, Bill Evans, tant Marc Copland s’inscrit dans sa lignée? Sans être scrupuleusement fidèle (ce ne serait d’ailleurs pas possible), il vient de là tout de même. Comme piano et contrebasse forment un couple radieux, c’est Scott Lafaro et son “Jade Visions” qui est la réponse du contrebassiste, une merveilleuse composition chère également à Stephan Oliva.

Entendre encore et toujours du Cole Porter et du Bill Evans ravivent un plaisir originel , une véritable obsession qui habitent cet autre couple que forme le musicien et l' auditeur. Et il ne faut pas y voir seulement la nostalgie, les rappels d’autres temps, réminiscences d’une histoire aimée, celle du jazz. C’est le retour existentiel à ce qui a construit en partie une identité musicale.

Sophie Chambon

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30 octobre 2019 3 30 /10 /octobre /2019 14:18
MARC COPLAND TRIO    AND I LOVE HER

 

MARC COPLAND TRIO

AND I LOVE HER

 

[Illusions]Mirage/CD IM4004 / L’Autre Distribution

Sortie le 18 octobre

www.marccopland.com

Un trio superlatif que celui du pianiste Marc Copland : au milieu de leurs propres compositions, dont une extraordinaire impro collective, “Mitzi&Johnny”, ils glissent quelques standards fameux, de l’“Afro Blue” inaugural, suivi du “Cantaloupe Island” d’Herbie Hancock, à “And I love her” des Beatles jusqu'au Cole Porter final “You do something to me”. Cet album saisissant nous entraîne de climats percussifs en rêveries éveillées dans un jazz éternel, intemporel que font entendre ces trois musiciens exceptionnels qui n’ont plus grand chose à prouver. Ils ont eu tout le temps d’approfondir leur pratique et ainsi d’acquérir une maîtrise exceptionnelle. Si les trois aimaient à jouer ensemble dans le quartet de John Abercrombie, Marc Copland et Drew Gress partagent des scènes depuis plus longtemps encore, la fin des seventies. “We feel each other even if we don’t see each other” avoue le pianiste.

Tous trois semblent avoir le même plaisir à se retrouver et à partager dans une complicité exigeante. Ils se promènent avec aisance dans le répertoire, incluant leur propres musiques qui, à aucun moment ne déparent la cohésion de l’ensemble. Ils ont une relation particulière avec ces morceaux, les reprenant dans une discipline de tous les instants, une habitude de vie qui fait que l’inspiration peut advenir très vite. Ils racontent par exemple qu’ils se sont échauffés presque naturellement en entrant dans le studio sur “Afroblue” de Mongo Santamaria et c’est ainsi que l’album a commencé.

Par ses harmoniques et son chromatisme, on retrouve instantanément le pianiste, son art poétique élaboré avec Gary Peacock par exemple ou dans le quartet de John Abercrombie (très émouvante valse jamais enregistrée devenue “Love Letter”, en hommage au guitariste disparu en 2017). S’il est particulièrement inspiré sur les tempos lents, les ballades, c’est avec l’interaction dynamisante de la rythmique qu’il change la donne, parvenant à dominer une mélancolie prégnante. Aucune autre rythmique actuelle ne saurait mieux le soutenir en douceur ou le revitaliser sur les rythmes plus vif. Sur “Day and Night” du pianiste, la plus longue composition du Cd, le solo du contrebassiste est prodigieux avant que n’éclate le drumming audacieux, solaire de Joey Baron. Le pianiste souligne l’habileté du batteur à lancer un “groove” qui va leur ouvrir la voie.

C’est avec “sense and sensibility” comme disent les Anglo-saxons, que Marc Copland traduit la circulation du sens poétique. L’émotion est vite présente, car on entend dans les échos délicatement irisés du pianiste que le jazz retraverse, toute cette musique aimée qu’il n’a cessé de reprendre. Toutes ses interprétations sont à inscrire dans cette tentative inépuisable qu’il soit en groupe ou en solo. C’est le Français Philippe Ghielmetti qui parvint à lui faire quitter ce poste fidèle d’accompagnateur pour l’aventure du solo, dès le début des années 2000 avec un Poetic Motion mémorable.

Qu’importe le format, c’est ce ressassement travaillé qui lui permet de donner sens à cette toile qu’il tisse et trame continûment. S’il en est qui ne cherchent pas, pensant avoir déjà trouvé, d’autres se laissent conduire dans des errances créatrices… Marc Copland est de ceux là.

Sophie Chambon

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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