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2 septembre 2015 3 02 /09 /septembre /2015 08:25
CECILE MC LORIN SALVANT : «  For one to love »

Mack Avenue / Hamonia Mundi

Cécile McLorin Salvant (voix) - Aaron Diehl (piano) - Paul Sikivie (contrebasse) - Lawrence Leathers (batterie) - Vincent Peirani (accordéon)

Nouvel album de Cecile Mc Lorin. Véritable choc !

Ceux qui ne connaissaient pas la jeune chanteuse franco-haïtienne, ex-lauréate du prestigieux concours Thélonious Monk, ne resteront pas longtemps dans l’ignorance, on peut vous l’assurer. Car, tenez-le vous pour dit, Cécile Mc Lorin est ce qui nous arrive de mieux dans le paysage du jazz vocal depuis bien longtemps.

Quelle chanteuse !

Dans cet album très personnel qui exhale à chaque chanson l’essence et les racines du jazz, il y a une formidable et audacieuse liberté où elle livre beaucoup d’elle-même.

Cette liberté, elle se l’accorde en premier lieu en nous livrant cinq sublimes compositions personnelles. Il faut entendre ce Look at me poignant, à la musique et aux paroles sublimes ou encore Monday. On les croirait tous sortis du real book. Moment d’intimité partagé avec la chanteuse. De proximité.

Mais il n’ y a pas que cette mise à nue. Il y a aussi cette liberté du chant incroyable où Cécile Mc Lorin se livre toute entière, sans réserve et sans calcul. Car avec Cécile Mc Lorin il n’est pas seulement question de chanter, il est question d’interpréter, de se muer en diseuse d’histoires.

Artiste totale.

Engagement corps et âme où toute la gamme des expressions humaines passe par sa voix. A la fois joueuse, cajoleuse, railleuse ou gouailleuse, Cécile Mc Lorin Salvant est devant nous la pièce maîtresse d’une comédie musicale faite de jazz et de blues.

Elle y proclame son amour sans limites pour cet art de la scène, se fait elle-même comédienne avec beaucoup d’humour comme sur ce Stepsister’s Lament de Rodger's et Hammerstein (« Cinderella ») ou encore dans Trolley Song immortalisé par Judy Garland (tiré du film « Meet me in Saint Louis ») et ici magnifié par une rythmique exceptionnelle. On se pince, on croit à la réincarnation, cette fois de Sarah Vaughan. Parfois enfantine ( « Woman Child était le titre de son premier album), Cécile nous émeut aux larmes ou à la joie. Chacune de ses chansons parle d’elle-même. Son interprétation de Barbara nous bouleverse. Celle très simple et efficace de Burt Bacharach frémit de soul.

Son chant, on l’entend, on le sent, on le ressent, il vient du fond des tripes. Il brûle et se consume à la manière d’une Bessie Smith réincarnée dans un rade de la Nouvelle Orléans (comme ce Growin dan totalement incandescent et sexuel ou encore sur ce What’s the matter now chanté jadis par la reine du Blues ).

Se murmure dans un chant d’amour déçu.

Donne beaucoup d’elle-même avec une sincérité touchante et parfois même d’autodérision émouvante.

Et pour faire un grand album de jazz, il faut de bons musiciens, il faut un groupe. Cécile Mc Lorin Salvant s’accompagne ici de ses musiciens habituels avec lesquels elle a l’habitude de tourner. À la légèreté délicate d’un Aaron Dhiel s’ajoute la profondeur sensuelle de Paul Sikivie et le drive très subtil de Lawrence leathers.

« For One to Love » est le 3ème album de la chanteuse. Le plus personnel. Le plus intime.

Il dit en musique la comédie de l’amour. Sa tragédie aussi.

Jean-Marc Gelin

NB : album très personnel où Cécile va jusqu’à signer elle-même la pochette en rouge et noir.

Cecile Mc Lorin Salvant sera au Festival Jazz à la Villette le samedi 5 septembre à 21h30. A ne manquer sous aucun prétexte.

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28 août 2015 5 28 /08 /août /2015 06:47
YARON HERMAN : " Everyday"

Yaron Herman (p, vc), Ziv Ravtiz (dms, vc), Helgi Jonsson (vc), Jean-Pierre Taieb (vc)

Bluue Note 2015

On aurait un peu peur d'utiliser une formule galvaudée si l'on disait que ce nouvel album du pianiste marque une nouvelle étape dans le développement de la musique de Yaron Herman. C'est pourtant bien de cela dont il s'agit lorsque l'on écoute "Everyday", le nouvel opus enregistré en grande partie en duo avec batteur israélien Ziv Ravitz. Car ainsi qu'il le confiait dans les colonnes des DNJ, Yaron Herman est parvenu à exprimer ici l'essentiel dans un rare moment d'entente télépathique entre les deux musiciens.

Avec ce 7eme album on entre de plain pied dans une musique fusionnelle, au confluent de sa propre progression musicale, entre classique et tradition, jazz et pop, entre chant et impro, entre le groove qui emporte tout et les fluidité harmoniques qui enveloppent. Il y a tout ! Et il y a surtout la fraîcheur d'un travail en studio en grande partie spontané où Yaron et Ziv se jouent des structures rythmiques complexes ( Nettish) ou bien , dans un moment de jaillissement font émerger un groove absolu, forme d'art total, engagement à corps perdu ( Everyday). Une sorte de dialogue interactif sans cesse en mouvement.

Si l'on sait que Yaron Herman aime rendre quelques hommages à ses contemporains en empruntant parfois au répertoire de la pop actuelle, il s'agit ici moins d'emprunt que d'une influence forte et prégnante sur sa musique, celle de l'esthétique de Radiohead dont il revendique clairement qu'elle est pour lui une source fondamentale d'inspiration. Comme sur ce coup de génie sur Volcano où Yaron Herman ajoute un duo de voix qui s'envolent au dessus de la mélodie portée avec autant de force que de légèreté. Il en est de même sur 18:26, très fort dans la force d'entrainement d'un flot inexorable portée à son paroxysme par l'intervention furtive et éphémère des voix et par le silence brutal qui s'en suit. Ou encore sur Rétrograde, morceau de James Blake admirablement suspendu comme entre deux eaux, morceau flottant et très émouvant par la place qu'il laisse à l"espace, au non dit, à la force suggestive.

Cet album est puissant, terriblement puissant. Structuré ou déstructuré, improvisé ou harmonisé, il dit quelque chose d'un moment de musique essentiel au sens propre du terme. Cet album est powerful et riche. Riche de la force de ses reliefs, de ses micros incrustations sonores, de son travail sur le son façonné à quatre mains. Ce travail sur le son. Ce travail d'osmose.

On a souvent dit que Yaron Herman suivait un chemin Jarretien. Image un peu agaçante parce que, là encore galvaudée. Il y a bien sûr un peu de cela tant il est marqué à vie par le pianiste américain. Toutefois on entend bien comment sur Fast life cette influence importante débouche sur un discours original où Yaron Herman semble explorer tous les registres d'émotions portées par le grave du piano. Exprime une identité. Mais surtout on est ici, avec "Everyday" à la croisée des chemins de toutes ses influences, de tout ce qui le nourrit depuis des années, de tout ce qu'il écoute et, forcément de tout ce qu'il vit.

Et si la croisée des chemins débouche toujours sur une route nouvelle, celle qu'il va suivre désormais s'annonce d'ores et déjà lumineuse.

Jean-marc Gelin

Ps : Mention spéciale au graphisme de la pochette ( Yann Legendre) , un peu destructurée et très moderne. Très urbaine dans un esprit Kandisky.

PS : Yaron Herman sera en concert à Paris, à la Villette le 10 septembre 2015

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2 juillet 2015 4 02 /07 /juillet /2015 19:09
Pascal SCHUMACHER : "Left Tokyo Right"

www.laboriejazz.fr

www.pascalschumacher.com

https://www.youtube.com/watch?v=0RDtAAhW3h8

Pascal Schumacher (vibraphone, compositions)

Pol Belardi (basse, contrebasse)

Franz von Chossy (piano, fender)

Jens Düppe (batterie)

Sylvain Rifflet (saxophone)

Verniri Pohjola (trompette)

Guests : Magic Malik (flûtes) et Aliénor Mancip (harpe)

Ce LTR album du vibraphoniste Pascal Schumacher ne signifie pas « Long term relationship » mais LEFT TOKYO RIGHT. D’une voix douce, dans le petit film promotionnel du label Laborie, il explique la genèse de cet album à 8, conçu après une résidence au Japon. En bon occidental, il a vite été fasciné par la dualité de la civilisation japonaise prise entre tradition et modernité. Ce qu’il exprime dans un travail sur les contrastes dans le titre éponyme « Left Tokyo Right » au juste milieu de l’album. « Left » représentant les quartiers modernes de Tokyo, ceux des néons et du J pop, alors que « Right » fait référence aux temples, aux femmes en kimono, aux joueurs de taiko. Vraiment séduit, le vibraphoniste a ensuite fait des séjours privés reliant Tokyo à Kyoto et Nagano dans une découverte plus approfondie de l’âme de ce pays.

Après cinq disques sous le nom du Pascal Schumacher quartet, il était temps de faire évoluer sa musique : aussi au quartet belge initial, composé du batteur de Cologne Jens Düppe et du pianiste allemand Franz Von Chossy, s’est rajouté le bassiste électrique luxembourgeois Paul Belardi. Voulant ouvrir encore davantage à d’autres influences, Pascal Schumacher a fait venir le trompettiste finnois Verneri Pohjola, emblématique pour lui d’un renouveau de l’instrument, un son feutré mais moderne ; ayant déjà travaillé en duo avec le saxophoniste français Sylvain Rifflet, il lui demanda son concours pour alimenter en tant que souffleur mais aussi « percussionniste » la machine à jazz qui se créait.

Enfin deux invités, le flûtiste Magic Malik indispensable pour donner cette coloration japonaise de la flûte shinobue sur « Lilia » par exemple et la harpiste Alienor Mancip dont l’introduction de «Sakura -San » nous immerge dans une pluie de fleurs de cerisiers.

Ainsi aux commandes d’un nouvel équipage, Pascal Schumacher mène à bien un projet ambitieux, dévoilant un arrière-pays attachant, qui ne cache en rien un authentique travail de recherche, de placement et de répartition des rôles. On sent bien cette volonté délibérée de bousculer certaines lois du genre et d’imposer doucement sa manière mélancolique, parfois contrariée d’un entrain rebondissant.

La plupart des compositions sont du vibraphoniste mais il réussit une version envoûtante du thème principal du film Furyo d’Oshima, « Merry Christmas, Mr.Lawrence » (titre original) où la star de la pop japonaise Ryuichi Sakamoto, non seulement composait la B.O et ce tube planétaire à l’époque (1983) tout en affrontant David Bowie à l’écran.

Left Tokyo Right nous fait entendre une musique amoureuse et sérieuse, énergiquement rythmée tout en étant lyrique. Un savoir-faire « maillochique » poétique qui culmine peut-être dans « wabi-sabi », ce concept japonais qui combine harmonie et désordre. Un rêve de musique, sinon de vie.

Sophie Chambon

Pascal SCHUMACHER : "Left Tokyo Right"
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1 juillet 2015 3 01 /07 /juillet /2015 23:44
CHICAGO REED QUARTET  : "WESTERN AUTOMATIC"

WESTERN AUTOMATIC

Mazzarella / Rempis/ Williams/Vandermark

Label Aerophonic

www.aerophonicrecords.com

www.davidrempis.com

Le label du saxophoniste chicagoan David Rempis, créé en 2013, Aerophonic, est la manifestation d’une indépendance voulue, assumée mais obligée qui pousse les musiciens à exercer un contrôle serré sur toute la chaîne de production musicale, à maîtriser la « fabrique » de leurs albums, surtout quand il ne s’agit pas d’une musique «main stream ».

Cet étonnant Western Automatic réunit en un quartet de saxophones paritaire, quatre générations de musiciens chicagoans, séparé chacun de dix ans, si l’on admet cet intervalle suffisant. Ils ont fourni deux compositions spécifiques, qui, après une série de répétitions et de concerts dans diverses salles de la ville, ont été enregistrées en une seule prise, lors d’un après-midi d’été, le 10 août 2014, au club The Hungry Brain.

On a ainsi l’occasion de découvrir l’étendue des registres de saxophones, du sopranino au baryton, tous, à l’exception de l’altiste Nick Mazzarella, empoignant divers horns et Ken Vandermark jouant aussi des clarinettes. Tout un florilège de styles qui révèlent ces fortes personnalités au travers de leurs compositions : après le « Burning Unit » de Mars Williams qui porte bien son titre, où le quartet démarre en vrombissant, pour virer ensuite à un climat de film noir, survient le délicat et presqu’ellingtonien « Remnants » terriblement velouté, qui contraste avec le « Broken Record Fugue » de Ken Vandermark plein de chausse-trappes, et de pointillismes où se poursuivent au baryton Rempis et Vandermark. Des morceaux qui prennent le temps, sans traîner pour autant, de développer des motifs complexes,au long desquels les quatre voix se répondent. Combinant lyrisme, spontanéité, rigueur et appétit de liberté, cet album nous abreuve d’une musique désirante, sans nostalgie, ouverte au contraire au monde actuel, avec parfois des échos au World Saxophone quartet.

La lecture de la presse spécialisée m’apprend que le quartet est mort-né, rupture due peut-être à des dissensions ou plutôt aux difficultés quasi-insurmontables pour trouver des gigs. C’est vraiment dommage et l’on ne peut que louer le saxophoniste David Rempis d’avoir enregistré cet unique et inoubliable moment musical.

Sophie Chambon

Sophie Chambon

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1 juillet 2015 3 01 /07 /juillet /2015 23:40
THE REMPIS PERCUSSION QUARTET : " Cash and carry"

Dave Rempis (alto/tenor/baritone saxophones)

Ingebrigt Haker Flaten (contrebasse)

Tim Daisy Frank Rosaly ( drums)

Label Aerophonic records

www.aerophonicrecords.com

www.davidrempis.com

En ce début d’été, canicule annoncée, voilà de quoi se rafraîchir la tête... Suivez mon conseil et posez-vous pour écouter des groupes qui décoiffent...

Comme ce quartet très actif sur la scène des musiques improvisées de la Cité des Vents, fondé par le saxophoniste David Rempis, il y a déjà onze ans, avec les batteurs Tim Daisy et Frank Rosaly et le contrebassiste norvégien Ingebrigt Häker Flaten,

On s’aperçoit très vite qu’avec ces quatre musiciens, les possibilités sont presqu’illimitées, puisqu’ils savent à merveille déconstruire les mélodies de base pour mieux les réarranger en de nouveaux motifs. Et que leur aptitude à l’improvisation peut les conduire à des développements substantiels.

Deux pièces très longues composent donc cet album Cash and Carry, enregistré live, le 31 août 2014 au Club de Chicago The Hungry Brain qui semble bien être leur repaire : de sensibilité différente, la première composition «Water Foul Run Amok» ne fait pas moins de 39’14, alors que la dernière «Better Than Butter» est beaucoup plus ramassée 15’29.

C’est à l’ampleur et à la fascination du chant, à l’expression libre que ce quartet se réfère. Sans relâche le saxophoniste attaque, poursuit l’échange, le reprend en passant au baryton par exemple, avec une énergie indéfectible.

Dans la première composition, l’affirmation franche et précise au ténor dure près de 9’, soutenue par le pilonnement des deux batteries chargées à bloc alors que la contrebasse, proche et palpitante, n’est pas en reste. Puis, étonnamment,survient un passage long et méditatif, d’une douceur inquiétante ; car le répit, on le comprend vite, est toujours provisoire. Vers la 23ème minute, la pulsation de la contrebasse re joint le cliquetis-claquettes des batteries, en des motifs complexes influencés par les rythmes africains. Très vite, le saxophone revient tel un sifflet moqueur pour s’entretenir, vers la 31ème minute, avec la basse, avec en fond des interventions nettement plus légères des batteurs.

Quand il passe au baryton, David Rempis semble plus apaisé, rigoureux dans le phrasé, s’étant soulagé ailleurs de torrents de musique incandescente.

Pour la deuxième pièce, qui passe presque trop vite en comparaison, c’est la contrebasse qui attaque sur le crépitement des percussions, alors que le baryton la joue plus blues (pas bluesy, attention !). Vous l’aurez compris, nous sommes au cœur d’un dispositif de « wide open free jazz » avec des fragments de mélodie et des changements de rythmes contrôlés, une vibrante démonstration sans vociférations, plutôt rageuse et rebelle, un flot qui ne manque ni de délicatesse ni de force. Ces quatre là se connaissent depuis longtemps et n’ont aucune difficulté à converser, improvisant de façon si complice, en un élan continu, dans un arrière-pays transgressif. C’est dans de drôles de voies que nous entraîne ces amis qui ont joué et jouent encore dans des contextes très différents (pas moins de quarante groupes pour les batteurs). Ainsi s’entend dans cette musique sans parole, un seul chant qui exprime souvent la colère mais promet aussi la (ré)conciliation. C’est une vérité de « la chose » qui n’est sans doute plus «nouvelle» mais qui continue à se modifier : un projet collectif cohérent, intègre, constamment sous tension, dans une réelle urgence du jeu. A écouter sans modération...

Sophie Chambon

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29 juin 2015 1 29 /06 /juin /2015 21:10
BRUNO ANGELINI : « Instant Sharings »

La Buissonne RJAL397022 / Harmonia Mundi

Bruno Angelini (piano), Régis Huby (violon, violon ténor, effets électroniques), Claude Tchamitchian (contrebasse), Edward Perraud (batterie, percussion)

Jazz de chambre dira-t-on ? Peut-être.... Jazz, assurément, avec cette fine connivence propre à la musique de chambre, le goût des nuances exacerbées, et à chaque instant cette liberté propre au jazz, qui donne à entendre, dernière chaque note de chaque musicien, une délibération autonome dans un espace collectif.

Les compostions sont majoritairement celles du pianiste, mais l'on y trouve aussi la reprise (en deux versions : introductive et conclusive) d'un thème de Paul Motian, Folk song for Rosie (qui en donna une première version en 1979 dans « Voyage », puis plusieurs autres....). Suit un thème de Wayne Shorter, issu de son duo avec Herbie Hancock, et plus loin une composition de Steve Swallow tirée de l'album « Echoes ». Dans tous les cas, ce qui va prévaloir, c'est l'intensité du lyrisme, avec une forte expressivité, forte mais retenue, pour jaillir parfois jusqu'en un épisode violent. Les compositions de Bruno Angelini sont dans une adéquation remarquable avec l'instrumentation, la personnalité musicale de chacun des partenaires, et avec les reprises déjà citées. C'est à tous égards du grand art, et s'il est pertinent parfois de dire de certains musiciens qu'ils tutoient le sublime, on pourrait dire qu'ici ils le caressent, jusqu'à le troubler.... Troubler le sublime : c'est peut-être l'une des portes du bonheur musical !

Xavier Prévost

Une vidéo du groupe, dans le live de la Matinale culturelle de France Musique : http://www.dailymotion.com/video/x2tek33

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29 juin 2015 1 29 /06 /juin /2015 21:06
SMTHG CLOSE TO SMTHG

“Something Close To Something”

Quartet d’André Jaume

Label Durance/ distributeur Orkhêstra International

www.label-durance.org

www.atelier-de-musiques-improvisées.org

Dès les premières notes, on se retrouve dans une ambiance familière, une énergie propre au jazz qui rayonne au sein du quartet du saxophoniste André Jaume. Il s’en donne à cœur joie, acompagné du guitariste Alain Soler, du fils de celui-ci, Anthony Soler à la batterie et de Pierre Fenichel à la contrebasse.

On découvre ensuite qu’il s’agit d’une histoire d’amitiés, d’une rencontre fondatrice en 1991 entre le saxophoniste et le guitariste après que celui-ci ait écouté Something, enregistré en 1990 à New York sur le label sudiste Celp (fondé par André Jaume) avec Bill Stewart, Joe McPhee, Anthony Cox, Clyde Criner.

L’année de la rencontre d’Alain Soler avec André Jaume, le guitariste ayant obtenu le premier prix de la classe d’ensemble Jazz de Marseille dirigée par Guy Longnon, crée l’Atelier de Musiques improvisées dans le 04 (Alpes de Haute Provence). S’ensuit la création du label Durance, à la production discographique régulière, à laquelle participe en complice éclairé, André Jaume.

Ces précisions ne sont pas inutiles pour comprendre que ce disque actuel est construit comme un miroir inversé ( par exemple, le premier thème « 278 » s’appelait « 872 »), une sorte de mise en abyme autour des compositions du premier SMTHG, transformées en autant de « plagiats-prétextes jubilatoires », en déconstruisant rythmes, trames harmoniques, mélodies originelles. On est bien au cœur du dispositif du jazz, dans l’échange, le partage sans œillères, l’amour de la variation qui peut conduire à des translations sans fin. Douces modulations, irisations tendres, puissance plus instinctive du rock, voilà des transformations audacieuses réussies, un répertoire abordé différemment, rafraîchi en quelque sorte. Un album très agréable à découvrir, concocté par un formidable musicien, passeur incomparable, nourri de cette tradition jazz. Il a su s’entourer d’amis talentueux qui font résonner l’ensemble avec une belle homogénéité, puisque tous arpentent les mêmes rivages, à la recherche d’un horizon partagé.

Du jazz comme on l’aime, sans esbroufe, qui groove élégamment, un album-mémoire du passé obsédant et toujours exaltant de cette musique.

Sophie Chambon

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27 juin 2015 6 27 /06 /juin /2015 00:11
TAM DE VILLIERS 4 tet : «  Panacea »

TAM DE VILLIERS 4 tet : « Panacea »

Whirlwind 2015

Tam de Villiers (g), David Prez (ts), Frederic Chiffoleau (cb), Karl Jannuska (dms)

Tam de Villiers ne cesse de nous surprendre album après album.

Ce jeune guitariste anglo-Sud Africain vivant à Paris s’impose en effet comme l’un des garçon les plus intéressant du moment sur cet instrument, avec une vraie constante dans la progression de sa musique. Depuis 2003 qu’il s’est installé dans la capitale, Tam de Villiers qui en est à son troisième album est en effet toujours resté attaché à son quartet de départ où seul Frederic Chiffoleau a pris la place de Bruno Schorp.

Il faut dire que la musique qu’il compose est exigeante et repose sur une compréhension quasi télépathique entre les membres du quartet. Tam De Villiers écrit une musique en apparence difficile, tirée de concepts empruntés à l’alchimie et à la géométrie dont la substance évoque celle de Steve Coleman ou encore les tiroirs dodécaphonique de Schönberg. Pourtant Tam De Villiers, que l’on sait par ailleurs proche de Marc Ducret, reste attentif à ne pas donner à sa musique un caractère trop cérébral, trop intellectuel, mariant des personnalités musicales du quartet très différentes et leur laissant des vraies plages d’expression et d’improvisation.

Sur 4 titres, Tam De Villiers convie le superbe chanteur Gabor Winand que Tam de Villiers avait découvert sur l’album que ce dernier avait réalisé avec le guitariste hongrois Gabor Gado. Le chanteur s’y fait alors presque instrumentiste vocal sur des textes inspirés de la poésie Jungienne.

Le résultat de cet album est surprenant et parfois fascinant . Un peu kaléidoscopique.

Il y a dans la musique de Tam De Villiers quelque chose d’organique dans l’agencement de la pâte sonore, dans les revirements harmoniques et dans les passages alternées de l’atonal et du modal et dans les tiroirs qui s’emboîtent les uns dans les autres pour former un ensemble cohérent.

Un ensemble captivant.

Jean-Marc Gelin

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21 juin 2015 7 21 /06 /juin /2015 12:46
FREDERIC COUDERC : Sax Stories

DVD Stories FREDERIC COUDERC

Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sax ....sans jamais oser le demander

Un voyage musical dans le monde de Monsieur Adolphe Sax ...

Sortie du DVD 1er juin 2015

Gaya music production /distribution Soca Disc

Stephane Coens : réalisation DVD

Frédéric Couderc (saxophones) et Patrick Cabon (piano)

Concert le 12 juillet à Strasbourg pendant Sax Open à 11h0 studio 400 de la Cité de la musique et de la danse

http://www.francemusique.fr/personne/frederic-couderc

Après une introduction volontairement langoureuse et voluptueuse sur le tango d’Astor Piazzola « Oblivion », Frédéric Couderc entreprend, avec son délicieux accent méridional, de raconter l’histoire des saxophones et de leur génial inventeur, Adolphe Sax né à Dinant, Belgique en 1914. Virtuose de la clarinette, instrument de perce cylindrique, il voulut augmenter son volume pour jouer dans les fanfares de rue : il eut l’idée de joindre un bec de clarinette basse sur un ophicléide (instrument de perce conique, à embouchure et à clé ...qui n’existe plus de nos jours). Le premier saxophone était né, le saxophone basse en ut.... dont Frédéric couderc nous donne une illustration immédiate avec « Indiana ». Dès le début, le saxophone a sa forme définitive, avec ce son moelleux que l’on entend dans le « tube » de Gabriel Fauré, la suave mélodie d’ «Après un rêve ». Fred Couderc la reprendra d’ailleurs en conclusion du DVD avec rien moins que six instruments différents comme le soprano, le c melody, l’alto droit, le taragot...

Accompagné au piano par Patrick Cabon, entouré de ses 25 saxophones, dont certains sont rares, voire inédits, il évoque la grande famille des instruments inventés par Adolphe Sax : sax horns, sax tromba, sax tuba et saxophones en si bémol et mi bémol. Ainsi, dans le quatuor de saxophones, on retrouve le soprano en Si b, l’alto en Mi b, le ténor en Si b et le baryton en Mi b ; mais existent aussi le sopranino, plus petit mais très aigu en Mi b, le basse en Si b et le contrebasse en Mi b.

Un petit jeu à présent pour vous apprendre à reconnaître les sonorités : le saxophone alto est présent dans les solos romantiques de la musique classique comme dans « Le vieux château » des Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Il est proche de la sonorité du cor anglais, qui peut être également remplacé par le mezzo soprano en fa, dans le largo de la Symphonie du Nouveau Monde de Dvorak.

Il existe aussi des transcriptions pour le sax baryton sur la Suite n°1 de Bach écrite pour le violoncelle.

Pour qui s’intéresse aux instruments et en particulier au saxophone si emblématique du jazz, voilà un récit initiatique, truculent et illustré d’extraits superbes empruntés aux différents styles musicaux. Car si, à ses débuts, le saxophone est utilisé dans la musique de fanfare pour sa puissance, Adolphe Sax le fit connaître à Berlioz qui écrivit la première pièce pour l’instrument. Bientôt d’autres compositeurs illustres s’y intéressèrent Bizet, Debussy, Stravinsky, Gershwin. De la musique classique au jazz, le saxophone peut jouer tous les répertoires, aussi bien une valse de Gus Viseur que du rock, du funk, de la variété, de la world music. Rien ne lui est interdit comme dans ce « JK Groove » de Fred Couderc lui-même. Mais revenons au jazz qui est la musique de prédilection de cet instrument. En 1939, Coleman Hawkins joue « Body and Soul » avec un vibrato exacerbé qui ressemble à la voix humaine. Sidney Bechet, le père du saxophone soprano, d’une sonorité plus timbrée car il est plus légèrement conique excelle dans «Struttin’ With Some Barbecue ». Le saxophone est LA voix du jazz. Ecoutez donc ce « Sophisticated Lady » de Duke Ellington au baryton, plus rocailleux, ou encore ce « Creole Love Call » qu’interprète Fred Couderc avec plusieurs saxophones en même temps, à la façon de Roland Kirk, l’un de ses maîtres dans «The Inflated Tear ».

Voilà un DVD bien conçu, pédagogique et ludique, qui nous conduit sur les terres musicales défrichées par les saxophones. Frédéric Couderc est le guide rêvé pour cette exploration de toutes les facettes d’un instrument qu’il connaît sur le bout des clés et des anches, la preuve avec ce « Vocalise » de Rachmaninoff au saxophone ténor en ut, droit de forme comme l’alto droit, le « stritch » de Kirk. Ce type là est un fou de son instrument, un passionné collectionneur, je l’avais bien senti, à l’écoute de son album Coudophonie, déjà chroniqué aux DNJ : http://www.lesdnj.com/article-frederic-couderc-coudophonie-88716313.html

Car Fred Couderc aime tellement cet instrument qu’il a conçu un prototype, le coudophone ....

Donc, si vous avez encore des questions sur le saxophone, après la vision de ce DVD, un conseil ... consultez.

NB : Le bonus est plus technique : il y est question de mécanique, de matériel : on y apprend comment se fabriquent les instruments chez Julius KEILWERTH et en particulier, l’élaboration des anches chez le spécialiste VANDOREN (cannes de roseau cultivées dans le sud est).

Sophie Chambon

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15 juin 2015 1 15 /06 /juin /2015 22:10
Laura Perrudin : «  Impressions »

Chromatic harp, vocals, percussions & electronics / programming by Laura Perrudin

Distribué par l'Autre Distribution

Laura Perrudin est une jeune femme de grand talent qui ne cesse de multiplier les récompenses . Jugez en plutôt : lauréat du tremplin national Jazz à Vannes 2013, prix de composition au Concours national de Jazz de la Défense 2013 à Paris, 2e prix de la Montreux Jazz Voice Competition 2014, prix d'aide à la professionnalisation au tremplin du festival Jazz à St-Germain-des-Prés 2014 à Paris. Excusez du peu.

Il faut dire que cette jeune harpiste a tout pour elle et en premier lieu le sens d’une écriture remarquable à laquelle elle allie la voix évanescente et la sensualité des chanteuses modernes. On pense à Joni Mitchell ou à Gretchen Parlato. Référence d’autant plus pertinente qu’elle avoue son penchant prononcé pour l’écriture de Wayne Shorter dont on sait proche la chanteuse américaine. Parfois même à Jeanne Added aussi. C’est qu'il y a, comme chez ces chanteuses la grâce et de la poésie des arrangements superbes qui lui permet de déambuler entre les harmonies et les dissonances qui frottent, avec l’agilité d’un chat passant de toit en toit. Comme si ce numéro d’équilibriste de l’harmonie lui était aussi naturel que pour nous, de marcher. Seule avec sa harpe chromatique électrique, Laura Perrudin explore les sonorités, semble se délecter à s’y perdre. S’y fait candide. Et c’est là que l’instrumentation se porte au service d'un discours d’une extrême richesse musicale et d’une très grande douceur.

Car Laura Perrudin qui a notamment travaillé avec la chanteuse Leila Martial a, comme sa jeune aînée ( mais en explorant d’auyres voix), le don de se créer un véritable univers dans une sorte de lévitation à peine perturbée par de délicates interférences dans le son qu’elle gère comme autant de petites incongruités sonores qu’elle crée et qui apparaissent comme par la magie d’une fée. Celle de brocéliande s’entrevoit dans l’imaginaire de cette jeune bretonne.

Nous sommes véritablement, comme il y a deux ans au Sunside, tombés sous le charme de Laura Perrudin.

Pas la peine de vous souvenir de son nom. Vous n’avez pas fini d’en entendre parler.

Jean-Marc Gelin

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