OLIVIER RENAULT

JOHN LEE HOOKER
Boogie-Woogie anyhow

Editions le Mot et le Reste

Harry and Dolly - John Lee Hooker & Miles Davis - Bing video

Grâce à Olivier Renault, on prend le train en marche du blues, en suivant l’itinéraire particulier d’un drôle de hobo, un musicien chantant, voire déchantant qui a éclairé l’histoire du blues, John Lee Hooker :
avec sa façon de prendre la tangente, de foncer sans se retourner... il quitte, a été quitté. Il saura dégager pour se dégager...  en prenant le train en marche…

Dans ce nouvel ouvrage de la collection Musiques du Mot et du Reste -les éditions marseillaises que l’on ne présente plus, d' un éclairage très pertinent, s' appuyant sur une documentation précise, fouillée dans ses sources, l’auteur réussit le portrait saisissant de ce personnage complexe, mystérieux qui a su créer un mythe en brouillant les pistes.
Dès les premières pages de ce qui se lit comme une histoire, on est fasciné par certaines ambiguités et incertitudes dans le parcours du musicien. Une seule chose est sûre, John Lee Hooker s’affranchit de tout dès qu’il comprend qu’il est fait pour autre chose. Cette détermination farouche, il ne s’en départira jamais; c’est ce qui le dirige dès qu'il est sûr de sa vocation de musicien.

Dans cet essai précis et vagabond, sans se lasser comme John Lee Hooker lui même, Olivier Renault commente son parcours, donnant une discographie sélective, car Hook fait partie des bluesmen qui ont le plus enregistré-on comprendra pourquoi il est utile de ne pas se perdre dans le nombre de références. 

On ignore encore à quelle date il vit le jour et le moins que l’on puisse dire est que John Lee Hooker n’a pas rendu la tâche facile à ses rares biographes. Ce n’est pas donc pas une biographie de plus, elle manquait vraiment même si sa vie est moins dramatique que nombre de musiciens, elle mérite d’être racontée, en cinq chapitres, de son enfance dans le Delta jusqu’aux dernières années toujours actives (il est mort  paisiblement dans son sommeil en juin 2001). Il a connu une certaine face du rêve américain mais aussi le racisme, les tromperies de producteurs qui en trafiquant ses contrats ne lui donnèrent jamais accès à ses substantiels droits d’auteur. S’il a fini dans une relative aisance, il a joué sans fin, ne se payant que sur ses concerts!

Ce que l’auteur nous donne à voir et à entendre, c’est la musique de John Lee Hooker : un jeu de guitare original combiné à une voix rauque et âpre, un style inimitable mêlant boogie et blues en ont fait une légende de la musique américaine. Mais que sait-on de lui au juste? Qu’il est né en 1910, ou 1912 ou même en 1923 dans ce Deep South hostile, au Nord Ouest du Mississipi. “Bien sûr que tu as le blues quand tu es né là bas”.

Une seule chose est sûre, il sait très vite qu’il ne sera pas métayer comme son père et qu’il vivra de LA musique. Il ravit très tôt son auditoire quand il chante, il est fait pour cette musique du diable, s’opposant à son père preacher. Il fugue à 14 ou 18 ans, prenant la tangente vers le Nord, Memphis, Cincinnati, Detroit et enfin Chicago, la Mecque du blues pour réaliser son rêve. Même à Detroit, la Motor town, il est ouvrier la journée chez Ford pour pouvoir jouer la nuit, et ses premiers enregistrements en 1948 révèlent déjà un style peu académique qu’il cultivera toute sa longue carrière. Il joue un blues poignant et un boogie plus rapide ( pas le boogie woogie qu’on joue au piano dans les honky tonks mais une adaptation à la guitare). Plus tard  dans les années soixante, il s’essaiera au folk, car il sait sentir les changements de tendance. Il chante sa vie, sa misère et celle des autres, de sa voix rauque, persuadé qu’on guérit sa douleur par le blues d’où le titre d’un de ses plus grands succès “The healer” en 1989! Il est l’auteur de thèmes qu’il a joué tout au long de sa carrière dès son tout premier single “Boogie Chillen”,“Crawling King Snake” jusqu'à “Boom Boom” de 1992 .

Il a su donner au blues un son qui lui est propre, en renonçant au traditionnel 12 mesures pour un groove funky intense et profond. Quatre fois lauréat d’un Grammy Award, ce guitariste improbable, ce type analphabète mais rusé a su forger sa légende.
Il connaît assez vite le succès et  dès 1951, “I’ m in the mood” est l’occasion d’une première grande tournée avec le fidèle et dévoué Eddie Kirkland.
Ses premiers succès ne l’ont pas rendu riche, il doit multiplier les enregistrements pour s’en sortir, sous divers pseudonymes, n’ayant jamais pu toucher ses droits d’auteur. Toute sa vie, il jouera, gravera des enregistrements et fera des tournées pour vivre et assurer la matérielle. Il connaîtra une longue suite d’errances, toujours sur les routes en France, en Europe dans les années 70 pour se payer les grosses voitures, les costumes bien taillés qu’il affectionne.   

On reconnaît tout de suite sa signature, son style inimitable, il est l’esprit du blues du delta. Il ne respecte pas les règles, suit son rythme intérieur, chante les accords quand et comme il le sent, s’adapte continuellement, n’hésitant pas à reprendre inlassablement ses titres puisqu’il les joue différemment,  se révélant un grand improvisateur, les “hookerisant”. Il joue sans mediator, à la pulpe des doigts, des riffs bien à lui. S’il n’a pas inventé le blues, il l’a doté d’une grammaire et d’un vocabulaire originaux, une langue assez subtile pour l’assurer que personne ne la maîtrise mieux que lui. Et d’ailleurs, il aime jouer seul. S ’il n’aime pas les groupes, il les utilise de façon originale, laissant ses musiciens libres avant ou après qu’il ne monte sur scène, car alors, ils doivent jouer pour lui et s’adapter!               
Outre ses tubes, son influence fut grande : Miles Davis l’admirait " You are the funkiest man alive” et ils firent la B.O du film de Dennis Hopper The Hot Spot. Hooker fit partie des Blues Brothers de John Landis  chantant  "Boom Boom" et "Boogen Chillen" , sans pour autant être crédités dans l'album qui sortit de la musique du film. Encore une occasion en or qu'il a laissée filer... Admiré de toute la jeune scène britannique rock qui va devenir "blues crazy" en 1962, lors d'une tournée qui passe par Manchester, Eric Clapton, les Animals d'Eric Burdon, le Spencer Davies group, John Mayall, tous reprennent des titres de John Lee quand ils ne jouent pas avec lui. Il inspira autant Canned Heat que Keith Richards et les Stones, Jimmy Page et les Yardbirds, Bowie, Peter Townshend... 

Partageant sa passion pour la littérature, Olivier Renault, libraire dans le 14ème arrondissement parisien, complète en l' élargissant sa recherche en faisant quelques pas de côté, dans des chapitres passionnants comme le Delta où il plante le décor ou celui sur Detroit, la ville où Ford établit son usine en 1903.

Sophie Chambon
 

Jean Christophe Cholet (piano), Vincent Mascart (saxophones ténor & soprano), Quentin Cholet (batterie)

Sarzeau (Morbihan), 29-30 août & 1-2 septembre 2020

Infigo 120210 / l'autre distribution

Si l'on excepte un thème emprunté à Mal Waldron, et une composition du batteur, le CD repose totalement sur l'improvisation. Une improvisation plutôt idiomatique, en l'occurrence faisant fortement référence à l'univers du jazz, mais pas seulement. Une musique ouverte, libre, qui regarde aussi du côté des langages de la musique dite contemporaine, celle née au début du vingtième siècle dans la sphère des 'musiques savantes européennes', et qui a déployé ses métamorphoses jusqu'à ce jour. Une musique qui regarde aussi vers d'autres horizons culturels. Un groupe rodé par les deux années de concerts et de tournées (en France, en Europe, mais aussi en Chine et en Corée) qui ont précédé l'enregistrement. Il en résulte une faculté de faire un saut collectif dans l'inconnu sans se perdre de vue. Ça commence par un déchirant appel de soprano auquel répond une furia de batterie, avant que le piano ne se glisse, avec la même vigueur d'expression, dans un trilogue qui va tourner au lyrisme presque apaisé, avant virage à l'orientale. Bref il se passe sans cesse quelque chose, entre urgence de l'expression et maîtrise d'une forme émergente, d'une plage à l'autre.

L'interaction est fine, permanente. All Alone, de Mal Waldron, sera l'occasion d'une sorte de recueillement collectif très intense. La plage suivante jouera au contraire la carte de la déstructuration, du fragmentaire, qui se résout cependant dans une douce mélodie conclusive. Puis c'est une composition du batteur, mélancolique ballade finement conduite, de tensions harmoniques en mélodie qui bientôt s'exacerbe. Et le voyage continue, de plage en plage, en quête d'une certaine idée de la beauté impromptue. Quête aboutie, et disque très réussi.

Xavier Prévost

Bruno Tocanne (batterie), Didier Frébœuf (piano)

Juillaguet (Charente), 7 mai 2021

IMR 21 / Muséa / Les Allumés du Jazz / https://www.instantmusics.com

Enregistré dans le studio du contrebassiste Kent Cater, un disque qui mêle improvisations/compositions des deux partenaires, et Songs For The Whales , de Charlie Haden (Liberation Music Orchestra, «Time/Life»). Le thème-titre, Ça n'empêche pas le vacarme, est signé du seul pianiste, mais le CD respire d'un bout à l'autre l'échange et la création plurielle. Cela commence du côté de crissements de cymbales, notes éparses de piano qui se jouent des tonalités, accord arpégés qui sous-tendent le mystère.... Le dialogue est là, dès les premiers instants. Puis c'est comme un appel au silence, dans des résonances qui s'attardent, des lignes qui musardent entre les tentations harmoniques, toujours contournées. Et les tambours qui grondent. Le paysage s'éclaircit et se dessine : on est embarqué. Puis c'est un nouveau dialogue, des fûts et des cymbales, surgissant progressivement d'un mouvement tellurique pour prendre langue avec le piano préparé, lequel va chanter ensuite de tout son lyrisme rhapsodique pour le chant des baleines. Retour d'un bruitisme percussif avant cavalcade échevelée du piano (ça s'intitule Saturation et All Over ). Vient la composition de Didier Frébœuf, Ça n'empêche pas le vacarme : comme un cessez-le-feu après les salves. Un crescendo pourtant nous dira que l'accalmie n'était qu'une esquive. Et la plage finale, énigmatiquement titrée Fake News, et qui tend l'oreille du côté de Monk, paraît nous dire pourtant la vérité de cette musique, d'échange et d'intensité. Fin du voyage. Le texte du livret, signé Philippe Alen, fait de cette aventure un autre récit, qui tutoie les hautes sphères. Belle escapade, et beau disque.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=B7JcLK476DM

et sur Bandcamp

https://brunotocanne.bandcamp.com/album/ca-nemp-che-pas-le-vacarme

FREDERIC BOREY BUTTERFLIES TRIO

DAMIEN VARAILLON  (cb) STEPHANE ADSUAR (dms)

GUEST LIONEL LOUEKE (g, voc)

FRESH SOUND RECORDS

BUTTERFLIES TRIO | France | Frederic Borey

Frédéric Borey BUTTERFLIES Trio Feat. Lionel Loueke - YouTube

Cet album étonne -c’est la première remarque qui vient à l’esprit, tant il est différent de ce que l’on connaît des différents projets de Frédéric Borey. Une manière de se renouveler assurément, même au sein de ce Butterflies Trio dont pour le deuxième album, le saxophoniste s’est assuré la collaboration d’un ami de longue date, le guitariste Lionel Loueke. D’ordinaire, l’invité apporte sa touche, donne une couleur supplémentaire, complète le portrait de groupe. Mais la palette reste la même, The song remains the same.

C’est un peu différent ici, le guitariste, présent sur huit plages sur onze, donne aussi de la voix, même s’il ne la force jamais, elle est plutôt une texture additionnelle qui fait chair. Il fredonne tout en nuances, glisse des bribes de chanson même sur “Camille”, la seule composition qu’il apporte, sans jamais couvrir le chant du saxo, au timbre toujours aussi étincelant, même s’il est volontairement plus voilé. Les univers de ces deux amis ont réussi à se fondre dans une alliance peu commune, à s’ajuster parfaitement.

Des petits bruits, cliquetis des baguettes, friselis de guitare attaquent “Commencement” avant que n’entre en jeu le saxophone qui s’adapte au rythme répétitif adopté de concert. Dans “Dont give up”, chacun s’ajuste, les éclats du saxo ne sont pas tranchants, mais mesurés sans exhaler pour autant leur plainte. La dominante n’est pas vraiment mélancolique ou alors si délicatement qu’il en résulte une douceur entraînante, délicieuse, envoûtante que renforcent nombre ostinatos et autres effets répétitifs comme sur "Do Hwe Wutu" (Grâce à toi en béninois ). Jamais l’expression de jazz de chambre n’aura été plus juste pour décrire cette musique épurée, qui atteint une dimension spirituelle. Une écriture sans gras, précise, très rythmée, celle de véritables auteurs dont les transitions sont tellement habiles qu’elles paraissent naturelles. Les compositions se suivent avec une belle cohérence comme une longue suite tout en gardant leur identité.

On entre par petites touches fines dans le bizarre de la bande-son d’un film imaginaire, une ambiance onirique et flottante, comme en suspens où les nappes mélodieuses de la guitare, les pulsations continues, douces mais fermes de la rythmique, le babil de la voix qui susurre, invitent à se laisser bercer. Pas de longues volutes ciselées au saxophone ténor qui semble chuchoter lui aussi par moment.

Tous entrent dans la danse, se glissent dans le moule d’où sortent des sons inouïs comme dans "Insomnia" qui fait entendre deux batteries et deux guitares enregistrées simultanément. Une force collective irréfutable, à la fois expérimentale et chaleureuse. L’entente palpable favorise l’homogénéité du son, la liberté de l’interprétation, chacun pouvant compter sur le jeu des autres, les appuis des partenaires pour reprendre élan.

A la manière d’une peinture impressionniste des sentiments,   ces plages atmosphériques font sourdre des émotions plus ou moins enfouies ("Lou"). Tout en nuances.

Pour peu que l’on se laisse aller à une écoute attentive, cet album de plus d’une heure de musique est enivrant, jamais insistant. Volontiers persistant, il résonnera longuement à vos oreilles.

Sophie Chambon

Geoffroy Gesser (saxophone ténor, clarinette basse), Quentin Ghomari (trompette & trompette à coulisse), Jean-François Riffaud (guitare), André Pasquet (batterie)

Paris, 9 décembre 2017 & Pantin, 24 mai 2018

Gigantonium GIG 020 FLOU 1

https://gigantonium.bandcamp.com/album/flouxus-kind-of-the-blues

À une voyelle près, on devine que le quartette fait référence au courant esthétique né des influences croisées de Marcel Duchamp et John Cage, et immortalisé par l'épisode du lièvre mort de Joseph Beuys. En fait, il s'agit bien d'une conception transgressive de l'Art (art musical en l'occurrence), mais ici la transgression magnifie le matériau revendiqué (sur une plage un blues fameux de Robert Johnson), et plus largement prend son envol sur des éléments formels du blues jusqu'à aborder des espaces, insoupçonnés, de liberté. Ce qui se joue ici renvoie autant au quartette d'Ornette Coleman, aux groupes de Don Cherry dans les années 60 ou aux envolées (sans intention d'atterrir) d'Albert Ayler, qu'à l'hyper-expressivité des sources afro-américaines. Enregistrée lors de deux concerts, l'un au Lavoir Moderne Parisien, l'autre à la Dynamo de Banlieues Blueues, cette musique fourmille de créativité sonore, d'exploration extrême (mais toujours fine) des limites instrumentales, avec le sens du jeu, et plaisir de la musique : jouissif, et en tant que tel hautement recommandable.

Xavier Prévost